F.J. OSSANG ET LA SUBVERSION. CINEMA PUNK ET FILM NOIR (Site A CUARTA PAREDE)

Article paru en espagnol sur le site A Cuarta Parede (lien)

Traduit en français par Edmundo Diaz

F.J. OSSANG ET LA SUBVERSION. CINEMA PUNK ET FILM NOIR

F. J. Ossang est probablement le seul cinéaste capable de concevoir un film en noir et blanc sur les combats clandestins de gladiateurs punk souterrain au rythme de la musique ‘psychobilly’ (J’adore ça). Poète, musicien, cinéaste et acteur; Parler d’Ossang, c’est parler de subversion et de délire à la dérive sur un océan de références. Son travail de film surmont les frontières entre les genres de style et les disciplines, construisant dans l’éclectisme l’identité de son art. Un univers punk noir post-apocalyptique où la synergie entre musique, poésie et cinéma est indissociable. Tout fusionne et dialogue avec une expressivité typique d’un langage de rébellion punk. Une filmographie avec un univers cohérent, explosif, rebelle et avec une capacité à surprendre et à provoquer d’une manière inhabituelle dans le cinéma contemporain. La Dernière Énigme (1982), premier film scolaire d’Ossang, constitue un manifeste politique et poétique sur le terrorisme d’État inspiré du livre Terrorisme et État par Gianfranco Sanguinetti, où les concepts de tyrannie et de rébellion développés à travers la récitation, le discours public et la déclaration universelle sont des éléments du punk qu’Ossang a transformé en pierre angulaire de toute sa filmographie. Un appel à l’anarchie et un cri anti-establishment.

Un an plus tard, dans sa deuxième court-metrage Zona Inquinata (1983), il a développé les caractéristiques formelles qui seraient répétées presque religieusement dans tout son travail plus tard, conformant son style visuel original et reconnaissable. A mi-chemin entre le cinéma primitif, le noir et l’expérimentation, Ossang utilise des intertitres qui fonctionnent comme une manifestation poétique qui contribue à l’expérience, comme un espace subliminal et sensoriel plutôt qu’une narration, une arme métaphysique qui nous aide à comprendre le chaos. La poésie est insérée dans les viscères des ses films presque comme une transplantation d’organe indésirable, comme un object intrusif mais intrinsèque à la même créature de film. Une autre ressource avec laquelle il rend un hommage romantique au cinéma muet (expressionnisme allemand en particulier) est l’utilisation de l’iris sans discrétion, comme un élément plastique pour souligner l’émotion ou diriger le regard à travers de le vignettage. Étranges cadres noir et blanc, clair-obscur profond, conversations et monologues qui oscillent entre le poétique et l’explicatif, une voix hors de champ mystique qui interagit ou s’oppose a l’image, mais surtout a la musique presque omniprésente qui maintient une tension claustrophobe à travers la répétition de ambiance industrielle; ils ne sont que quelques-unes des ressources esthétiques de l’univers aliéné du réalisateur français.

L’Affaire des Divisions Morituri (1985), son premier long métrage, est une consolidation de ce qui était insinué dans les précédents courts métrages. Une histoire de gladiateurs punk dirigés par Ettore, figure messianique qui menace la stabilité d’un Etat répressif friand de la « privation sensorielle ». A Morituri comme dans le reste de ses œuvres, la musique expérimentale et industrielle de groupes comme Throbbing Gristle ou M.K.B. (un des groupes d’Ossang) sera un pilier fondamental, une référence à la fois dans les thèmes et le style ainsi que dans le cadre post-industriel ou même dans le casting, formé en partie par des membres de groupes punk, comme le réalisateur lui-même. Cinq années se passeront jusqu’à son prochain long métrage, Le Trésor des Îles Chiennes (1990), considéré comme son travail le plus remarquable. Il raconte le voyage de cinq hommes menés par un Ulysse contemporain, envoyé par une grande corporation à une île vouée à la perdition. Un film sur la drogue et les femmes comme objet de désir, d’intrigue et de trahison. Un cauchemar post-atomique et catastrophique; un voyage aux entrailles du monde souterrain, un chemin délirant vers l’oubli. La mise en scène se transforme en un voyage synesthésique: vous pouvez sentir l’odeur et sentir la texture métallique des ses images, la poussière accumulée dans la gorge, nuisible et dégoûtant. C’est peut-être l’exemple le plus caractéristique de l’influence du cinéma noir et de la science-fiction dans son travail. C’est une reconfiguration des codes noirs dans le dialogue, le récit et l’intention, Ossang comprenant ce genre comme une expérience post-traumatique.

Il en va de même dans Docteur Chance (1997) où Angstel, marchand d’art, est contraint de quitter le pays et de se lancer dans un voyage où le film noir redevient une sorte de road movie lysergique. La présence de structures industrielles, notamment de moyens de transport tels que les voitures, les bateaux ou les avions opposés à la nature, le petit être humain avant les éléments, est une autre des ressources transversales de la filmographie du cinéaste. Contrairement au reste de ses œuvres, à quelques exceptions près comme Morituri dans lequel les virages intenses jaunes et verts avaient ouvert la palette du noir et blanc, Docteur Chance se développe dans un monde de couleurs, avec un spectre chromatique d’une expressivité unique qui Il accorde une nature expressionniste.

« La trilogie du paysage », comme l’appelle Ossang, est une série de courts métrages entre Docteur Chance et Dharma Guns. Cette trilogie tellurique commence avec Silencio (2007), un voyage à travers un vaste paysage. Le silence est une méditation sur la catastrophe et la fin du monde. Vladivostok! (2008), ouvertement expérimental et fragmentaire, doit beaucoup de son impulsion à l’expressionnisme et au cinéma muet. C’est une réflexion existentialiste sur le voyage qu’est la vie, à l’instar de Ciel Éteint! (2008). Dans ce cas deux amants dans un horizon de tristesse. Dans les trois, le paysage exprime une analogie de l’émotion humaine. Et après la fin du monde, l’au-delà.

Dharma Guns (2010) est une descente dantesque dans les enfers. Les expériences, la mort, la résurrection et le cinéma lui-même nous mènent à l’enfer même. Un film de science-fiction conspiranoïque, avec une couverture orphique commune dans toute sa filmographie, manifestation d’un romantisme punk sombre. Les personnages d’Ossang sont souvent au bord de la folie: leurs impulsions primaires les entraînent dans l’histoire comme une simple conséquence d’une détermination plus élevée. Tous sont des victimes du destin, des héros inexplorés qui se rebellent contre l’inévitable. Dharma Guns prend ce niveau de folie dans la même structure narrative: la réalité et le rêve entrent en collision sans repos, la sépia est noyée dans le noir et blanc, qui est bloqué par la couleur. Flashbacks, conscience et abîme, expérience désorientante de passage de la vie à la mort. (Denisse Lozano en A Cuarta Parede)

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