Venezia Central en finale du Prix Guillaume Apollinaire

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Lors de sa réunion du 15 juin à l’Hôtel Bel Ami, le jury du Prix Apollinaire a arrêté sa sélection finale pour 2015 :

Gabrielle Althen, La cavalière indemne, Al Manar
Réginald Gaillard
, L’échelle invisible, Ad Solem
Armand Gatti
, La mer du troisième jour, Æncrages & Co
Werner Lambersy
, La perte du temps, Le Castor Astral
F. J. Ossang
, Venezia central, Le Castor Astral
Serge Núñez Tolin
, Fou dans ma hâte, Rougerie
Franck Venaille
, La bataille des éperons d’or, Mercure de France
Liliane Wouters
, Derniers feux sur terre, Le Taillis Pré

La remise du Prix Apollinaire 2015 aura lieu le 13 octobre à 12h,
à l’Hôtel Bel Ami, avec le soutien bienveillant de ses mécènes :
Laurence Guinebretière, directrice générale de l’Hôtel Bel Ami
Pierre Guénant, propriétaire des vignobles Villa Beaulieu
et avec la complicité active du Printemps des Poètes.

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La Taverne des ratés de l’aventure

la taverne des ratés

Cela commence par un essai sur Rodanski, obsédé par l’aventure et la recherche de la réalité à travers le néant moderne, mais qui a passé la moitié de sa vie dans un asile psychiatrique. Son destin suscite une réflexion sur les liens entre aventure et littérature, une critique de la société de l’image et des « vivants-morts », un appel au réveil encouragé par les chevaliers-poètes et les ratés magnifiques. Dans cette renaissance au sein de la taverne, le narrateur sera guidé par des victimes, des résistants ou des prophètes comme Jack Kerouac, Chrétien de Troyes, Etienne de la Boétie, Thoreau, Baudelaire, Henry Miller, Bernard Lamarche-Vadel, Fritz Zorn, Witold Gombrowicz, Dominique de Roux, Milo Manara, René Daumal, Herman Hesse ou encore George Romero et F.J. Ossang. (Editions Pierre Guillaume de Roux).

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article original sur Desist Film


How does the subversion of noir works for a filmmaker like FJ Ossang? The tangible vortex of ambiguity and violence of the genre, that chiaroscuro and expressiveness of black and white does not only set a confined mood in which his story develops; the codes and resources (from the camera angles to the stylized dialogue)  devoid from the off-balance setting of his mise in scene do not just represent tension and claustrophobia, they are expressive methods of a language of revolt, of the punk mentality, a back set for the redemption of the apocalypse, of the sci-fi adventure, of the industrial wasteland. Noir gets represented as a post traumatic experience.

by José Sarmiento Hinojosa

Et le film dans tour ça, virtuel comme le reste – près de s’effacer dans l’orage magnétique qui survient… pour en finir avec le jugement de Dieu, tu parles! C’est trop tard… Là où ça sent la merde, ça sent l’être!
F.J Ossang (1)

Into the eternal darkness, into fire and into ice.
Dante Alighieri –Divine Comedy

The saying goes “no man is an island” but FJ Ossang could be easily an archipelago on itself: Poet, musician, filmmaker, and actor; the expressive capacity of Ossang has transcended beyond the blurry lines of genres and disciplines, not digressing in each one of his attempts, but achieving a magnificent articulation that projects the identity of his art: a post-apocalyptic sci-fi punk noir universe, a classification that, paradoxically, defies any classification. Ossang’s subversion of the concept of film noir is as revolutionary as the poetic recitative cadence in the lyrics of Messageros Killers Boys (his band) and the punk prose/diary/manifesto style of his poetry. The synergy or interaction between music, poetry and cinema is undividable here. Everything belongs to one another, everything merges and dialogues: Part diary, part manifesto, a work of curiosity and rebellion.

To experience Ossang is to take part of a cinematic tour de force: from the “noise n’roll” industrial/new wave overtones of Terminal Toxique (the first M.K.B. LP) to the manifesto that is Mercure Insolent (his last poetry book), everything in his art exudes cinema, like oozing black matter coming from the insides of the earth. It could all well be a revision of the entrails of German expressionism, taunting and haunting the celluloid as concealed ghosts from the past, forcing the closing of the iris throughout several takes, being reinvented in a sci-fi nightmare that exposes the darkest obsessions of mankind.

To talk about Ossang is to venture in an ocean of references, of erudite expressiveness, of metaphoric machines, to become part of a revolution. From Throbbing Gristle, to Russian sci-fi, to Jules Dassin on an acid trip, Kyro’Corp, Bruce Satarenko, the Bitch Islands, the Dharma Guns… few auteurs have maintained such a consistency on their universe, in a flood of characters and places, of apocalyptic anxiety, of the end of the world… Ciel Éteint!

The sky blacks out in the movie theater.



It all started with literature, but it was music which was a first preface to his film career. Listening to M.K.B Fraction Provisoire’s Terminal Toxique (1980), one immediately gets transported into the post-industrial punk climate that would imbue all of his creation.  Kyro’ Inc. opens to a psychobilly guitar and relentless strumming bassline, while European Death Winners is a prophecy in itself for all that was to come:

And now, this is Dada and Rock’n Roll Guerrilla.

This was the setup for Ossang’s first student film, La Dernière Énigme (1982), a political manifesto about state terrorism inspired by Gianfranco Sanguinetti’s On Terrorism and the State:

As for us, the subversives, who support the opposition of the workers and do not support the State, we will prove ourselves to be so, above all and on every occasion, by continually unmasking all the acts of terrorism perpetrated by the secret services of the State, to which we willingly leave the monopoly on terror, and by making the State’s infamy more infamous by publicizing it: the publicity that it merits (2).

This essay quickly became a primary headstone that Ossang would revisit constantly, a manifestation of a punk movement which also was a driving power for his first’s attempts on film: the apprehension of the tyrant concept, the revolt or escape against repressive powers, state terrorism, conspiracy theory, big brother, All-Seeing Eye: Ettore, Ponthans, Angstel, Stan van der Decken, are all rebellious characters, brought from noir cinema with a baggage of demons, imperfections, obsessions, violence and anxiety. From visiting a toxic wasteland to get ahold of a new energy power source, to be involved in a network of art forgery, science fiction, crime, the apocalypse, again, the end of the world, the revenge of the earth on its habitants.. An implosion and explosion of genres, colliding into a massive black hole, a universe of its own: maintenant, maintenant, maintenant! (3)

Shot using two cans of Kodak XX 16mm film, La Dernière Énigme (a pamphlet film) feels like a student film but carries so much compromise in it, the potential of a future career that would give birth to masterpieces such as Le Trésor Des Îles Chiennes. An appearance of public protest in shape of poetic manifestos also gives place, an element that will reappear in L’affaire Des Divisions Morituri, with the long monologues of Ettore, the lead character. This realm of recitation, of public discourse, of universal declaration is an element of punk that Ossang drives to perfection in the monologues on Morituri… and Dernière Énigme. It is a call to anarchy, a political stance, an anti-establishment cry, a search for the self. In his next films, this kind of discourse would find a proper narrative stance, as shown in the relentless antics of dialogue in Docteur Chance.


A year after, a second short emerged like a resurrection of sorts. Zona Inquinata (1983) already showed the silent film resource of intertitles which worked not as a mere resource, but as a poetic affirmation of what was projected in the screen. Poetry is inserted into the bowels of Ossang films almost as an unwanted transplanted organ, as intruder that feels out of place but belongs to the same filmic creature, as the parallel made by Jean-Luc Nancy which inspired Claire Denis’ L’Intrus: There must be something of the intruder in the stranger; otherwise, the stranger would lose its strangeness: if he already has the right to enter and remain. (4)

Of course, expressionism takes place here and it’s fundamental. As an influence on noir, and as a spiritual influence on Ossang films, which also feed and disembody noir into a mythical creature of its own. The resource of intertitling as a poetic manifesto serves its expressive means and contributes to the overall experience of watching. Thus intertitles carry no narrative weight but a subliminal and sensorial space, a metaphysical weapon to help us understand the apocalypse, ripped fragments of a poetry book which land in a desolated space, devoid of images or inserted despite the images.

Zona inquinata (Life is nothing but a bad cowboy story) was Ossang’s student first year film. Shot in three days, it’s a low budget effort, a guerrilla film with a guerilla mindset. Nicole Brenez, one of the great minds of her generation, a close friend, admirer and colleague describes it beautifully in this text commissioned for Rotterdam Film Festival: La Zone: the poor, dangerous quarters of Paris (George Lacombe, 1928); the administrative zone where Orpheus looks for his lost Eurydice (Jean Cocteau, 1950); Interzone – the working title for William Burroughs’ Naked Lunch (1959). In 1983, Ossang created a synthesis of all these territories of unrest under a banner of dead colours.(5)


Before anything, L’Affaire des Divisions Morituri (1985) is a consolidation of whatever was hinted in Ossang first short films: A story about underground punk gladiators led by Ettore, a messianic figure who threats the stability of a repressive state utilizing “sensory deprivation” methods. Morituri is also the M.K.B. Fraction Provisoire last album (before merging into Messagero Killer Boy, or Messageros Killers Boys –there isn’t a consensus) and it links perfectly with the film. In fact, Morituri shares with Bitch Islands two of the most fantastic soundtracks ever recorded for film. If it was Messageros Killers Boys that made the fantastic sonic experience (very close to a drug experience session), in here we get Throbbing Gristle and Cabaret Voltaire, among others, setting an hallucinogenic stance for celluloid. There’s no sonic archetype here: It’s a fluorescent mass of pure industrial sounds set against the backdrop of the Armageddon. Ettore loses his mind and decides to inform to the press about the gladiator business. He seems to be unaffected by repression, even when cracking down, as if the punk spirit that dwells within has consumed him entirely: Pure detachment, no deliverance, eternal damnation, while gladiators perform dance rituals and a journalist runs away in a car chase scene dripping down from the fountains of film noir, a futuristic noir, the Alphaville of punk.

Intense yellowish and green colors open the palette of black and white for expressive means. In Ossang, the color is elemental in dividing universes of conscience and time. This method is recurrent in Dharma Guns, which gives the setting for an exploration of two parallel universes unfolding together. But we’ll get back to that later, in here; color serves a purpose by alienating the spectator with the image, a sense of rejection which connects with Ettore’s own sense of detachment, the color palette of a breakdown.

A tribute to silent cinema (more precisely German expressionism) is to be found in the closing of the camera iris, not just as a romantic tribute but also as a way of reinvent the genre: Ossang uses the iris without discretion, as a plastic element, as an emphasis of emotion, but overall, as an extension of the eye which focuses on the elemental. The camera as the human eye, as the extension of the body.



Le Trésor Des Îles Chiennes (1990) is Ossang’s masterpiece. A film about drugs, about the representation of the female as an object of desire, a catastrophic post-atomic nightmare, a trip into the guts of the underworld, of an island that signifies their doom, the Bitch, the woman, the perdition of men. A film about intrigue and treachery, about desolation and desperation, charged with static electricity in every moment, a delirious ride into oblivion, a trip of five men led by a contemporary Ulysses (which carries the same name) and driven by blind ambition into an island that is doomed with catastrophe. A film about a mega corporation. A tarkovskian sci-fi film on speed.

There’s a metallic aftertaste when watching Bitch Islands, the same sensation that comes from licking a dusty coin, something filthy and disgusting, alien to the taste.  Ossang mise en scène is so powerful that the movie becomes a synesthetic journey: one can smell and feel the texture of the images, feel the dust accumulate in the throat and become part of that drug induced experience that is the trip of its adventurers. There’s no treasure in itself, no wealth, no real “money”: there is the island, the drug shots, the white pills, the quintessential femme fatale of film noir, in form of a quiet woman, or of an island that oozes lava and sulfur in the middle of the Azores. Ossang says: Cerberus being bitches, the guardian of underworld… So it’s a bit of a descent into hell.(6) This descent into hell, a confined space, knocks down the players in the board of chess that is this film. The final check mate comes when king and queen disappear into the rocky landscape. Earth devours them, takes what it’s hers and ends the cycle. The strategy was unimportant, since The Bitches claimed their victims as Cerberus did in the gates of hell.

The soundtrack by Messageros Killer Boys deserves an analysis of its own: Welcome to the Bitch Islands beats hard with industrial repetition, as if a violent and old train was coming to greet the new inhabitants of hell. A minute and twenty six seconds later, Helicoptère Ducal plays as a Throbbing Gristle experiment, and now the new machine morphs into a helicopter, a vessel for the entrance to Kyro Corp. It is indeed an industrial album per excellence, but when Pièces Du Sommeil kicks in, one is immersed into a string quartet that plays a sad litany, a piece that mourns the future dead (as in the fantastic Rumeur Du Grand Large).  Métropole Du Chaos returns to industrial repetition, a nightmarish drone which serves as background for a film dialogue. From them on, drones and industrial rhythms are our musical Virgil into the seven circles of hell, with the majestic Steppes De La Grande Chienne on full synthesizer glory and Le Chant Des Hyenes closing the film with the whole ensemble on board, a thing that happens also in the magnificent, recitative Soleil Trahi, a screen for Ossang magnificent poetry.  It is impossible to imagine Bitch Islands without its soundtrack, which is without a doubt, one of the essential ones in the history of cinema and music.


Seven years after, Ossang returned with Docteur Chance (1997), which wasn’t supposed to be a color film (problems with supply of black and white film) This event was a blessing though, since the development of the celluloid reels gave as a result a gamut of colors that any noir film would envy. Thus, the chromatic spectrum gives a unique expressiveness to the film, something that black and white wouldn’t have achieved otherwise. The color in Docteur Chance allows it to be of an expressionist nature (the hints are clear: one of the character´s called Georg Trakl), whether we’re located in the streets of Portugal or in the desert of Chile, a miserable wasteland, or a territory of doom. Docteur Chance is also an ouroboros film, where head and tail unites in a cyclic narrative that begins and ends in a flight among fleeting lovers, Ancetta, the prostitute (a first appearance by Elvire, Ossang’s muse and a true force of nature), and Angstel, a trader of forged paintings which is forced to leave the country and embark in a journey in which the noir films mutates into a road movie, only to finally meet not other than Joe Strummer (Vince Taylor) in his private bunker. On whom Joe Strummer (or Vince Taylor) is, and the significance of his presence of the film, we will not say anything that doesn’t speak on its own other than the obvious huge nod to punk culture. Strummer is Vince Taylor, a deceased famous rock n’roll singer, driven into obscurity for drug abuse, a character taken from reality portrayed by a character taken from reality. A rockabilly legend portrayed by a punk legend.

Docteur Chance is also an orphic journey: the snake biting the ankle of the dame in distress. A girl and a gun. The orphic nature of Ossang’s films is more present here, in Sky’s Black Out! and reaching its apex in Dharma Guns. This is a manifestation of an obscure romanticism, and Ossang is a punk romantic, a decadent romantic who merges with the shadows. Here, the conflictive nature of the relationship of both leads plays like a dance with death, a reconfiguration of noir codes, in dialogue, narrative and intention. How does the film become a Road Movie by configuration? When lovers are expelled from its territory, the personal journey begins: This abstraction of the path becomes parallel with the inner journey of its characters. Thus the setting (the desert) plays an effective analogy for the psychological desolation, the desperation of the travel. Both lovers escape, become hooked in drugs, get persecuted and disappear into the atmosphere, this time the sky devours them, not the earth, as it happens into Le trésor des îles chiennes. Coincidentally (or not) lovers are devoured by the sea in Dharma Guns. The earth has its way of claiming back what belongs to her, no matter the element.

Coming back to Strummer, the effectiveness of his performance lies in the fact that Strummer had just to be Strummer to make things work: A power of nature, a punk icon, he makes his presence in the last part of the movie a pivotal one for the film: He is part friend, part savior, part underground anti-establishment fighter. This makes a fantastic contrast with Marissa Paredes character, which lands a memorable role as Elise von Sekt, Angstel mother. Paredes is the antithesis of Strummer, a burgoise woman, art collector, millionaire, the figure of power that has to get knocked down: Tectonic plates colliding, an earthquake of sorts, shaking of the bodies, of the landscape, poetry in a Richter scale.



“The Landscape Trilogy”, as Ossang calls it, are a series of short films that came between Docteur Chance and Dharma Guns, and that signals a new phase in the filmmaker’s oeuvre. This territorial trilogy starts with Silencio (2007), scored by Throbbing Gristle, a nuclear apocalypse experimental short of monoliths, a journey through a vast landscape, a road movie of sorts. Silencio is a meditation on Ossang’s favorite subjects, a contemplation of the catastrophe, of the end of the world. He isn’t preaching the apocalypse anymore; he is simply contemplating it, watching the aftermath like a wise man who predicted it. A masterpiece of a short, Silencio marks both an end and a beginning. Vladivostok! (2008) is a commissioned film for the Vladivostok film festival. Openly experimental, it owes much of its pulse to expressionism and silent cinema (maybe even more than his other films). A voyage, a death, a contemplation of disjointed fragments, Vladivostok! Is Ossang’s gift to the Russian, a poetic film magnificently photographed, a film that carries old nitrate in its veins, a tribute of sorts, a manifestation of love for cinema. Ciel Éteint! (2008), a love letter for detached lovers, is a sonata drawn in a landscape of sorrow, a film of wondering in the depths of distance. The earth is frozen, the hearts are frozen and again, the setting conveys an analogy of human emotion. Sky’s Black Out is a proper introduction to what Dharma Guns would become, the new stage of Ossang’s work, and a new level of masterful cinema.



Dharma Guns (La succession Starkov) (2010) is FJ Ossang latest film and it is a dantesque descent into the underworld. The questions of what is behind death, and beyond consciousness merge.  What is reality and what isn’t? A magnificent opening shot switches color to black and white and traces the line between two open universes. Dante himself could’ve written the liner notes of Dharma Guns: The man who lies asleep will never waken fame, and his desire and all his life drift past him like a dream, and the traces of his memory fade from time like smoke in air, or ripples on a stream. (8)

Stan van der Decken (Guy McKnight), an heir to Professor Starkov, is a scriptwriter trapped in something he can’t start to comprehend: Part of a clone experiment, Lazarus resurrected, tortured poet, guinea pig. Délie (Elvire), his girlfriend, who was killed in a water ski accident resurrects and appears again in Van der Decken life. Is she also a clone of Professor Starkov cruel experiment?  Clues are again in the chromatic spectrum: colored flashbacks of life past and a black and white odyssey into the inferno, oneiric sequences of a daydream fever. A conspiracy sci-fi film with orphic strata, Dharma Guns is the feverish counterpart of Docteur Chance, a hallucination which is reflected in the low shot of the stairs in hotel Splendor, the portal gate to Dante’s hell.

Ossang’s characters are often on the verge of insanity: Their primal impulses drag them through the story as mere consequence of a higher determination. In that matter, they are all victims of fate, uncharted heroes, mythical beings whose fate is set, who revolt against the inevitable. Dharma Guns is a masterpiece of a film because it carries this level of insanity in the same structure of its narrative construction: Reality/not reality realms collide with each other relentlessly, sepia crashes with black and white, black and white crashes with color. Flashbacks, consciousness, and abyss, absoluteness: it’s a disorienting experience of transit from life to death, the opposite experience of emerging from a coma.



Why cineastes, to what end in this time of withdrawal? (…) When the word devours itself and tears the surface of the brain close to registering what remains visible, obvious, of the symptoms of discomfort or from the insanity of phenomena, the camera records exactly what the writer don’t want to listen anymore: to the pretexting emancipation and to see through the atoms of his own language. But this tongue is contaminated; it loses itself on amends in abstraction, still far to find the tricks necessary for the eyesight, the vision. (9)

This piece is dedicated to Mina Blumenfield and Michèle Collery, who went out of their line of duty to meet and pick the brain of master Ossang.


1, 9. FJ Ossang, “Mercure Insolent” La Fabrique du Sens (France, 2013) And the film in all of this, virtual just like the rest – close to disappear in the magnetic storm which arises… To ends with the “Judgement of God” no way! It’s too late… Where it smells like shit, it smells being!
2. Gianfranco Sanguinetti, “On Terrorism and the State” Left Bank Books, English edition. (United States, 1982)
3. M.K.B Fraction Provisoire, “Death Fuck Lafayette” Included in “Frenchies, Bad Indians, White Trash” CD (Odessa – ODE 003) (1994)
4. Jean-Luc Nancy L’Intrus © Éditions Galilée, 2000. All rights reserved. English translation © Michigan State University Press, (2002)
5,7. Nicole Brenez, “F.J. Ossang: The Grand Insurrectionary Style” Commissioned and translated from the French by International Film Festival Rotterdam (2011)
6. Quoted on Desistfilm 004 “Punk intervention: A conversation with FJ Ossang” ©Desistfilm (2013)
7. Nicole Brenez, “F.J. Ossang: The Grand Insurrectionary Style”
8. Dante Alighieri, “The Divine Comedy” Edaf S.A., Spanish Translation. (1995)


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Docteur Chance en salle 03 octobre 2015

SAMEDI 3 OCTOBRE 2015 A 20 h 30
PROJECTION 35 mm du film DOCTEUR CHANCE (France-Chili, 96′, 1998)
en présence de F.J. Ossang

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Rencontre : les cinémas libertaires le 22 octobre 2015

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Forum des images
2 Rue du cinéma  75001 Paris

Le jeudi 22 octobre 2015 de 19h15 à 21h00

A l’occasion de la parution du livre Cinémas libertaires : Au service des forces de transgression et de révolte, sous la direction de Nicole Brenez et Isabelle Marinone, aux Presses universitaires du Septentrion.


En partenariat avec le Forum des images.

« Puisque s’avérait photogénique ce qui bouge, ce qui mue, ce qui vient pour remplacer ce qui va avoir été, la photogénie, en qualité de règle fondamentale, vouait d’office le nouvel art au service des forces de transgression et de révolte. » Jean Epstein, Le Cinéma du Diable (1947).


L’ouvrage collectif Cinémas libertaires : Au service des forces de transgression et de révolte explore le corpus méconnu des films issus des idéaux libertaires, depuis la lutte armée jusqu’aux pensées de la non-violence. Il décrit la diversité des pratiques inventées par les réalisateurs engagés ; les formes spécifiques nées de films revendiquant une action concrète, que celle-ci soit d’ordre révolutionnaire, pédagogique ou simplement émancipatrice ; les puissances de déplacement, de destruction et de proposition théorique dynamisées par l’esprit anarchiste. Il met en circulation des documents rares ou inédits concernant l’histoire des cinémas libertaires et la parole de certaines de ses figures parmi les plus créatrices, enthousiasmantes, libératrices.


De nombreux cinéastes et plasticiens ont contribué à cet ouvrage : Antoine Barraud, Jean-Pierre Bastid, Bernard Baissat, Jean-Pierre Bouyxou, Hélène Chatelain, Michèle Collery, Alain Declercq, Armand Gatti, Maurice Lemaître, Roland Lethem, Yves-Marie Mahé, F.J. Ossang, Jean-Gabriel Périot, Vladimir Perisic, Alain Tanner.


Cette rencontre exceptionnelle autour du livre rassemblera plusieurs créateurs : Bernard Baissat, Jean-Pierre Bouyxou, Pascale Cassagnau, Michèle Collery, Yves-Marie Mahé, Vladimir Perisic. Ainsi que Antoine Barraud et F.J. Ossang (présents sous réserves). Elle sera animée par Nicole Brenez et Isabelle Marinone, qui ont dirigé l’ouvrage. Elle proposera par ailleurs des extraits de films rares.


Cette rencontre est organisée par la bibliothèque du cinéma François Truffaut et se déroule au Forum des images.


Entrée libre dans la limite des places disponibles, contremarques à retirer à l’accueil du Forum des images ou sur le site internet du Forum des images.

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Cinémas libertaires Au service des forces de transgression et de révolte

Disponible ici

Édité par Nicole Brenez, Isabelle Marinone

« Puisque s’avérait photogénique ce qui bouge, ce qui mue, ce qui vient pour remplacer ce qui va avoir été, la photogénie, en qualité de règle fondamentale, vouait d’office le nouvel art au service des forces de transgression et de révolte. » Jean Epstein, Le Cinéma du Diable (1947).

Les contributeurs de cet ouvrage, parmi lesquels de nombreux cinéastes et plasticiens, explorent le corpus méconnu des films issus des idéaux libertaires, depuis la lutte armée jusqu’aux pensées de la non-violence. Il décrit la diversité des pratiques inventées par les réalisateurs engagés ; les formes spécifiques nées de films revendiquant une action concrète, que celle-ci soit d’ordre révolutionnaire, pédagogique ou simplement émancipatrice ; les puissances de déplacement, de destruction et de proposition théorique dynamisées par l’esprit anarchiste. Il met en circulation des documents rares ou inédits concernant l’histoire des cinémas libertaires et la parole de certaines de ses figures parmi les plus créatrices, enthousiasmantes, libératrices.

Édition Première édition
Support Livre broché
Nb de pages 412 p.
ISBN-10 2757409522
ISBN-13 978-2-7574-0952-7
GTIN13 (EAN13) 9782757409527

Lutter sur tous les fronts à la fois
   Nicole Brenez et Isabelle Marinone
Méthodes pour une histoire des rapports entre cinéma et anarchie
   Isabelle Marinone

Front des luttes armées

Our Shadows Will
Note d’intention
   Vladimir Perišić
Une terre d’anarchie, l’Ukraine de Nestor Makhno revisitée par Hélène Châtelain
   Isabelle Marinone
Entretien avec Hélène Châtelain
   Isabelle Marinone
Espagne 36 : les films de fiction de la CNT
   Yannick Gallepie
Une histoire visuelle : la Rote Armee Fraktion et ses images
Note d’intention
   Jean-Gabriel Périot
Usine et Chronomètre
   Ulrike Meinhof
Retrait engagé. Alain Declercq
   Thomas Le Gouge, Félix Rehm, Charlotte Serrand

La Tranchée Gatti

Armand Gatti, un ciné-poète
   Isabelle Marinone
Figures de résistance : la constellation Gatti
   Johanna Cappi
Armand Gatti et l’« expression multiple » au cinéma : le cas du Lion, sa cage et ses ailes
   Charlotte Cayeux
Entretien avec Armand Gatti
   Isabelle Marinone

Front des oppressions sociales

La mouvance provoc’ du cinéma de Belgique (1963-1975)
Grégory Lacroix
La machette et le marteau de Gabriel Glissant (1975)
Frantz Succab
Jang Sun-woo, l’anarchisme du « Cinéma ouvert »
Cho Kyoung-hee
Les Lascars du LEP (2009-1986) : trajectoire d’images rebelles à contretemps
Mélisande Leventopoulos, Catherine Roudé
Les films de femmes sont dangereux.
Sachi Hamano, Virginie Despentes & Coralie Trinh-Thi
Misato Kawazu-Sonoyama

Front des principes et des concepts

Mauer – film préhistorique.
Gérard de Lacaze-Duthiers et l’esthétique libertaire
Erik Buelinckx
Anarchie et utopie. Quelques réflexions hérétiques
Ronald Creagh
Miguel Almereyda critique du cinéma
Isabelle Marinone
À l’ombre d’Almereyda (Jean Vigo et Paulo Emilio Sales Gomes)
Adilson Inácio Mendes
Anarchisme et cinéma
Paulo Emilio Sales Gomes
John Flaus : distinguer entre anarchiste et libertaire
Adrian Martin
Jean-François Lyotard et le cinéma anarchiste : notes pour une encontre critique
Jean-Michel Durafour

Front hédoniste

Louise Anselme, Benoît Bouthors, David Creus Expósito, Théo Deliyannis, Manuela Filippin,
Boris Gobin, Wonhee Jung, Lucile Valeri
Entretien avec Jean-Pierre Bouyxou
Louise Anselme, Benoît Bouthors, David Creus Expósito, Théo Deliyannis, Manuela Filippin,
Boris Gobin, Wonhee Jung, Lucile Valeri
Philipe Bordier (1941-2013)
Jean-Pierre Bouyxou
Le cinéma punk hardcore d’Yves-Marie Mahé
Quentin Périès

Front des symboles,  des images et des formes

Entretien avec Maurice Lemaître
Isabelle Marinone
Rencontre avec Paul. Entretien avec Alain Tanner
Yves-Marie Mahé
Bande de Cons !
Roland Lethem
Entretien avec Roland Lethem
Nicole Brenez, Isabelle Marinone
L’hypothèse poétique. Anarchie et cinéma japonais
Antoine Barraud
Anarchie & Cinéma. Carte blanche à Jean-Pierre Bastid
Jean-Pierre Bastid et Jean-Pierre Bouyxou
F.J. Ossang et le punk libertaire
Michèle Collery
F. J. Ossang, Master-Class
Yannick Beauquis, Michèle Collery, Pacôme Sadek, Anne Voirin
Du montage dissident dans l’œuvre de Jean-Gabriel Périot
Josselin Carey, Margot Farenc, Jessica Macor, Laure Weiss
Entretien avec Jean-Gabriel Périot
Josselin Carey, Margot Farenc, Jessica Macor, Laure Weiss

Front des autres mondes

« Poésie folle » : Jean Rollin, cinéaste parallèle
Isabelle Marinone
Entretien avec Jean Rollin
Isabelle Marinone
Jean Rollin (1938-2010)
Jean-Pierre Bouyxou
Gianni Toti et la mathépoéthique (avec quelques dérives transpoécontinentales du côté de Vélimir Khlebnikov et Fernando Pessoa)
Marc Mercier

Front de l’histoire, de la documentation et de l’information

Un baroquisme libertaire.
Film d’amore e anarchia ovvero : stamattina alle 10 in via dei Fiori nella nota casa di tolleranza de Lina Wertmüller (1973)
Giusy Pisano
Entretien avec Bernard Baissat
Isabelle Marinone
Libertarias de Vicente Aranda (1996) : film de fiction anarchiste pour grand public ?
Jean-Marie Tixier
Ordinary People de Vladimir Perišić, le réel et sa mutinerie
Nicole Brenez, Pascale Cassagnau
Remarques sur les médias anti-sociaux : les anarcho-communistes états-uniens et internet.
Louis-Georges Schwartz

Par Bidhan Jacobs
Index des noms
Index des titres


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MKB live à Toulouse

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MKB en concerts, photos d’époque !

Le voyage commence ici

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Landscape et Silence – Le Matricule des Anges

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Landscape et silence

Construit en deux parties et trois mouvements, le nouveau recueil de F. J. Ossang découvre au final un paysage de montagne après la furie.
Sous la révolte, les blessures d’une utopique sensibilité.

Né en 1956, François-Jacques Ossang s’est fait une réputation sulfureuse en filmant rageusement l’époque punk à laquelle il a contribué.Il suffit de le voir dans son premier long métrage, L’Affaire des divisions Morituri éructant un lyrisme de révolte, perfecto clouté sur les épaules et crête hirsute autant qu’indienne pour coiffure.L’image en noir et blanc de ce film tressaute de séquences en séquences, balançant ses slogans rageurs en prise directe sur une bande son embrouillée. Un cinéma entre Godard et les Sex Pistols1.
Mais Ossang s’est d’abord lancé dans la littérature en créant en 1976, du côté de Toulouse, une revue vouée à l’écriture moderne, Cee. Puis il forme le groupe de noise’n’roll Les Messageros Killers Boys (ou MKB) Fraction Provisoire avec lequel il se lancera dans une carrière de cinéaste.
Quand il ne promène pas sa caméra sur toute la planète, Ossang saisit donc le monde avec sa plume (mais le mot « plume » convient-il?). Le monde électrique, sauvage, d’une fin de siècle bruyante et accélérée est jeté ici sur le papier dans une profusion d’images qui s’entrechoquent, cassent le rythme des phrases. « C’est de mon être entier que j’ai voulu aimer l’excès du siècle » écrit-il dans Landscape et silence. Collision entre un individu et une histoire peu avare en massacres, crimes, violences et sur quoi plane le nuage radioactif de Tchernobyl. Aux révoltes déjantées succède donc cet air de blues, et comme une immense fatigue car « le temps court/ la route s’achève ».
On lit ces textes comme si dans une hallucination syncopée on saisissait sur un écran la projection stroboscopique d’un collage tremblotant. Quelque chose qui abîme la rétine et force à fermer les yeux. Ou à voir le monde autrement. « Il faut écrire, le plus mal sera le mieux » : allez expliquer ça! Cette rage à ne pas vouloir suivre les mêmes sentiers, les mêmes autoroutes du langage. Ce hors piste qui ressemble à un hors-la-loi esthétique. On ne peut pas dire qu’Ossang prend ses lecteurs par la main, qu’il les guide. La rupture est consommée : « Le fond s’est rompu entre la communauté humaine et moi ». Tristesse, détresse : les héros sont fatigués. Mais les riffs de guitare ont donné leur rythme aux textes. Ça griffe et ça déchire, le sens et les sonorités sont distordus, « c’est un brouillage inextricable de végétations, de lymphes,/ de verbes – tout un appareillage/ de spores, qui concocte la propriété artistique. »
Chant du cygne? Dans le dernier poème de cette première partie du recueil, l’année 1999 évoquée dans le titre sonne comme un bilan : défilent les pays visités, aimés ou haïs dans une accélération de souvenirs qui mélange les couleurs du monde. On dit qu’un homme qui meurt voit ainsi défiler sa vie en quelques fractions de seconde… N’en est-il pas de même d’un desperado?
F.-J. Ossang ressemble à un chef indien, rebelle sans compromis, qui voit ses enfants faire la queue devant les Mc Donald’s. Perdant magnifique à la Leonard Cohen, il « voudrai(t) coudre les fractions de mots/ référents à un monde que je ne veux plus,/ qui me cisaille (…)« . Coudre comme on coud une plaie, les mots comme autant de points de suture qui signalent la blessure.
Convalescent, le recueil aborde dans sa dernière partie un paysage de montagne où il neige. Contemplatif, presque apaisé, le poète ne rejoint-il pas ainsi les vieux ermites chinois des temps anciens? Le monde est peut-être le même aujourd’hui et hier si on lui retire le bruit et la fureur des hommes. Et le soir qui tombe (sur le poète et sur la Terre) révèle les mêmes « eaux planes derrière cette ombre d’arbre seul qui veille/ après le soir sans feuillage, branches figées. Bruit de tension glaciaire ténu dans la respiration géante de Minuit. » Retour sur soi, sur l’attente quasiment mystique : « L’air blanc s’emplit de vague, et gagne jusqu’aux lisières./ Le regard se disperse à l’intérieur. » On assiste à une mue : la peau d’un guépard contre celle d’un vieux lion; le tempo ralentit, les accords convergent vers l’harmonique, puis vers ce que le titre annonce : le silence. Et mot de la fin laissé à Claude Pélieu, le frenchy de la beat generation : « Nos vies tatouées de souvenirs qui ne veulent pas mourir sont un peu comme ces films oubliés où on filmait l’invisible. »

Signalons la publication chez le même éditeur de Le Ciel éteint (80 pages, 52 FF), recueil de proses courtes.

1 Les films d’Ossang se trouvent en vidéo aux Films du Paradoxe BP47 92270 Bois-Colombes

Landscape et silence
F.-J. Ossang

La Notonecte
54 pages, 30 FF


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